5 Künstlerinnen des Surrealismus

Die surrealistische Gruppe wurde 1924 vom Schriftsteller und Dichter André Breton gegründet und bestand aus Künstlern, die Breton handverlesen hatte. Die Ideen der Bewegung, die sich darauf konzentrierten, das Unterbewusstsein durch Übungen wie automatisches Zeichnen zu entlarven, waren jedoch nicht den wenigen Auserwählten vorbehalten, die Breton launisch bevorzugte oder meidete. Sein Einfluss war weltweit und fand seine stärksten Außenposten in Mexiko, den Vereinigten Staaten, Europa und Nordafrika.

Aufgrund des Rufs des Surrealismus als männliche Disziplin werden Künstlerinnen oft aus seiner Geschichte heraus geschrieben. Die Arbeit dieser fünf Künstlerinnen greift jedoch die traditionelle Erzählung über den Fokus des Surrealismus auf die Objektivierung des weiblichen Körpers auf und ihre Teilnahme an der Bewegung ist ein Beweis dafür, dass das surrealistische Ethos expansiver war, als es die Kunstgeschichte bisher angenommen hat.

Leonor Fini

Leonor Fini wurde 1907 in Argentinien geboren, verbrachte ihre Jugend jedoch in Triest, Italien, nachdem ihre Mutter vor einer unglücklichen Ehe mit Finis Vater geflohen war. Als Erwachsener lernte Fini die surrealistische Gruppe in Paris kennen und freundete sich mit Persönlichkeiten wie Max Ernst und Dorothea Tanning an. Ihre Arbeiten wurden 1937 in der wegweisenden Ausstellung „Fantastic Art, Dada and Surrealism“ des MoMA ausgestellt.

Fini war von der Idee der Androgyne angetan, mit der sie sich identifizierte. Ihr Lebensstil entsprach ihrem unkonventionellen Umgang mit dem Geschlecht, denn sie lebte über vierzig Jahre in einer Menage-à-trois mit zwei Männern. Sie verbrachte den Sommer in einem heruntergekommenen Schloss auf Korsika, wo sie aufwendige Kostümpartys gab, für die ihre Gäste monatelang planen würden.

Leonor Fini mit einem ihrer Bilder. Francis Apesteguy / Getty Images

Finis Arbeit zeigte oft weibliche Protagonistinnen in dominanten Positionen. Sie illustrierte erotische Fiktionen und entwarf Kostüme für die Stücke ihrer Freunde. Sie entwarf auch ihre eigenen Kostüme für gesellschaftliche Anlässe. Ihr oft übertriebenes Selbstbild wurde von einigen der bekanntesten Fotografen der Zeit fotografiert, darunter Carl van Vechten.

Der vielleicht größte kommerzielle Erfolg von Fini war die Gestaltung der Parfümflasche für Elsa Schiaparellis Parfüm „Shocking“. Die Flasche sollte wie der nackte Oberkörper einer Frau aussehen. das design wurde jahrzehntelang nachgeahmt.

Dorothea Bräunung

Dorothea Tanning wurde 1911 geboren und wuchs in Galesburg, Illinois, als Tochter schwedischer Einwanderer auf. Unterdrückt von einer strengen Kindheit floh der junge Tanning in die Literatur und lernte die Welt der europäischen Künste und Briefe durch Bücher kennen.

Zuversichtlich, dass sie dazu bestimmt war, Künstlerin zu werden, verließ Tanning das Art Institute of Chicago, um in New York zu leben. MoMAs „Fantastische Kunst, Dada und Surrealismus“ von 1937 festigte ihr Engagement für den Surrealismus. Erst Jahre später kam sie einigen ihrer Schlüsselfiguren nahe, als viele nach New York zogen, um der wachsenden Feindseligkeit in Europa aufgrund des Zweiten Weltkriegs zu entgehen.

Porträt von Dorothea Tanning, 1955. Michael Ochs Archiv / Getty Images

Als Max Ernst Tanning im Auftrag seiner Frau Peggy Guggenheims Galerie „Kunst dieses Jahrhunderts“ im Atelier besuchte, lernte er Tanning kennen und war von ihrer Arbeit beeindruckt. Sie wurden schnelle Freunde und heirateten schließlich 1946, nachdem Ernst sich von Guggenheim scheiden ließ. Das Paar zog nach Sedona, Arizona und lebte in einer Kohorte von Surrealisten.

Die Produktion von Tanning war vielfältig, da ihre Karriere rund achtzig Jahre umfasste. Obwohl sie vielleicht am bekanntesten für ihre Gemälde ist, wandte sich Tanning auch dem Kostümdesign, der Skulptur, der Prosa und der Poesie zu. Sie hat ein großes Werk, das aus humanoiden Plüschskulpturen besteht, die sie in den 1970er Jahren in Installationen verwendet hat. Sie starb 2012 im Alter von 101 Jahren.

Leonora Carrington

Leonora Carrington wurde 1917 in Großbritannien geboren. Sie besuchte kurz die Chelsea School of Art und wechselte dann an die Londoner Ozenfant Academy of Fine Arts. Sie lernte Max Ernst Anfang Zwanzig kennen und zog bald mit ihm nach Südfrankreich. Ernst wurde von den französischen Behörden als "feindlicher Ausländer" und später von den Nazis als "entartete" Kunst verhaftet. Carrington erlitt einen Nervenzusammenbruch und wurde in eine spanische Anstalt eingeliefert.

Ihr einziger Ausweg war die Heirat. Sie heiratete einen mexikanischen Diplomaten und ging in die USA, wo sie mit vielen Surrealisten im New Yorker Exil wiedervereinigt wurde. Sie zog bald nach Mexiko, wo sie zur Gründung der Frauenbefreiungsbewegung beitrug und schließlich den Rest ihres Lebens verbrachte.

Carringtons Arbeit konzentriert sich auf Symbole der Mystik und Zauberei und handelt oft von bedeutenden wiederkehrenden Bildern. Carrington schrieb auch Belletristik, einschließlich Die Hörtrompete (1976), wofür sie am bekanntesten ist.

Skulptur von Leonora Carrington in Mexiko-Stadt.  

Meret Oppenheim

Die Schweizer Künstlerin Meret Oppenheim wurde 1913 in Berlin geboren. Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs zog ihre Familie in die Schweiz, wo sie zunächst Kunst studierte, bevor sie nach Paris zog. In Paris lernte sie den surrealistischen Kreis kennen. Sie kannte André Breton, war kurzzeitig romantisch mit Max Ernst beschäftigt und modellierte für Man Rays Fotografien.

Oppenheim war am bekanntesten für ihre Assemblage-Skulptur, die verschiedene Fundstücke zusammenbrachte, um einen Punkt zu machen. Sie ist am berühmtesten für sie Déjeuner en Fourrure auch genannt Objekt, eine mit Pelz ausgekleidete Teetasse, die in MoMAs „Fantastic Art, Dada, and Surrealism“ ausgestellt und Berichten zufolge als erste von einer Frau in die Sammlung des Museum of Modern Art aufgenommen wurde. Objekt wurde eine Ikone der surrealistischen Bewegung, und obwohl sie für Oppenheims Ruhm verantwortlich ist, hat ihr Erfolg oft ihre anderen umfangreichen Arbeiten, darunter Malerei, Skulptur und Schmuck, in den Schatten gestellt.

Obwohl sie durch den frühen Erfolg von verkrüppelt wurde Objekt, Oppenheim begann nach mehreren Jahrzehnten in den 1950er Jahren wieder zu arbeiten. Ihre Arbeiten waren weltweit Gegenstand zahlreicher Retrospektiven. Oppenheims Arbeiten, die sich häufig mit Themen der weiblichen Sexualität befassen, bleiben ein wichtiger Prüfstein für das Verständnis des Surrealismus als Ganzes.

Dora Maar

Dora Maar war eine französische surrealistische Fotografin. Sie ist vielleicht am berühmtesten für ihr Foto Père Ubu, eine Nahaufnahme eines Gürteltiers, das zu einer Ikone des Surrealismus wurde, nachdem es auf der Internationalen Surrealisten-Ausstellung in London ausgestellt wurde.

Maars Karriere wurde von ihrer Beziehung zu Pablo Picasso überschattet, der sie als Muse und Vorbild für viele seiner Gemälde verwendete (insbesondere für seine Serie „Weeping Woman“). Picasso überzeugte Maar, ihr Fotostudio zu schließen, was ihre Karriere praktisch beendete, da sie ihren früheren Ruf nicht wiederbeleben konnte. Eine bedeutende Retrospektive von Maars Werken wird jedoch im Herbst 2019 in der Tate Modern eröffnet.

Fotografien von Dora Maar ihres Geliebten Pablo Picasso. Getty Images

Quellen

• Alexandrian S. Surrealistische Kunst. London: Thames & Hudson; 2007.
• Blumberg N. Meret Oppenheim. Enzyklopädie Britannica. https://www.britannica.com/biography/Meret-Oppenheim.
• Crawford A. Ein Rückblick auf die Künstlerin Dora Maar. Smithsonian. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/pro_art_article-180968395/. Erschienen 2018.
• Leonora Carrington: Nationales Museum der Frauen in den Künsten. Nmwa.org. https://nmwa.org/explore/artist-profiles/leonora-carrington.
• Meret Oppenheim: Nationales Museum der Frauen in den Künsten. Nmwa.org. https://nmwa.org/explore/artist-profiles/meret-oppenheim.